Diseñamos la temporada 2026 como un espacio de conversación entre historia e imaginación, en el que conviven lo popular y lo erudito, la tradición y el artificio, la herencia y la reinvención.
Cada programa afirma la música como lenguaje crítico y poético, capaz de dialogar con el presente sin renunciar a su complejidad. Así, proponemos una escucha desde la curiosidad y el asombro, entendiendo el concierto como experiencia estética, intelectual y sensible.
Serie de Conciertos 2026
De Majos y Petimetres; música cosmopolita del salón madrileño
Entre la elegancia cortesana y la picardía popular, el Madrid borbónico fue un hervidero de contrastes. En sus salones convivían la gracia italiana, la sobriedad francesa y el temperamento español, dando forma a una cultura musical profundamente cosmopolita. De Majos y Petimetres presenta un espacio en el que el refinamiento ilustrado y el espíritu castizo se encontraron en una de las etapas más vibrantes de la historia musical española.
La figura del majo, símbolo del orgullo popular y de la identidad madrileña, contrastado con la del petimetre, aquel aristócrata afrancesado, culto y exquisito, amante de las modas extranjeras. Ambas representaciones —una más espontánea y visceral, la otra sofisticada y cosmopolita— definieron no solo las costumbres, sino también el gusto musical de uan ciudad que se abría al mundo sin renunciar a su carácter. La Música del salón madrileño reflejó precisamente ese diálogo entre lo propio y lo ajeno, en el que las danzas españolas se fundían con el lenguaje galante francés y los modelos italianos, generando un repertorio híbrido de gran encanto y sutileza.
Dirección & Guitarra, Julián Navarro
Los Bach; retrato familiar
La familia Bach encarna como ninguna otra la idea de la música como innovación, herencia y pensamiento. Durante varias generaciones, esta dinastía dio forma a un oficio que atraviesa el Barroco tardío y anuncia nuevas sensibilidades, sin perder nunca el rigor artesanal ni la profundidad expresiva.
Este programa propone un retrato íntimo de esa constelación familiar, donde cada compositor afirma una voz propia dentro de un horizonte común. Johann Bernhard aporta la claridad y la majestuosidad del estilo francés; Wilhelm Friedemann sorprende por su imaginación indómita y su carácter experimental; Carl Philipp Emanuel despliega una retórica cargada de intensidad emocional; y Johann Sebastian condensa una síntesis estética cuya vigencia trasciende épocas y estilos.
Más que una genealogía, este programa revela una forma de pensar la música como práctica continua, transmitida, cuestionada y transformada.
Dirección & Violín, Guillermo Salas
Érase una Vez; un teatro musical de ilusión y fantasía
Entre el artificio teatral y la imaginación desbordada, el Barroco construyó un universo donde la música se convirtió en el lenguaje de lo inverosímil. En él, batallas, tempestades, animales parlantes y héroes caballerescos cobraron vida a través del sonido, invitando al oyente a participar de un juego de ilusión y maravilla. Este programa nos transporta a ese escenario donde los afectos y las imágenes se transforman en narraciones sonoras, revelando el ingenio con que los compositores barrocos dieron voz a la imaginación.
El espíritu narrativo del Barroco se nutrió del asombro, el deseo de transformar la realidad a través del artificio y de explorar, mediante el sonido, los límites de lo posible. “Érase una vez” propone escuchar la música como un relato, como un espejo de la imaginación humana que atraviesa épocas y estilos, revelando una sensibilidad compartida por el sueño, el humor, la pasión y el misterio.
Dirección & Violín, Sarah Cranor
In Terra - In Caelo; contrapuntos de la carne y el espíritu
En el corazón de la experiencia humana palpita una tensión universal: la sombra y la luz, el cuerpo y el alma, lo terrenal y lo divino, lo efímero y lo eterno. In Terra – In Caelo es una meditación musical que confronta las dualidades que nos atraviesan; un reflejo de la pugna que define nuestra humanidad y su constante anhelo de trascendencia.
In Terra nos arroja a las sombras de la vida terrenal, donde las paradojas de la existencia emergen como un espejo que delata nuestra fragilidad. Aquí, el drama de Reinaldo, el caballero de La Jerusalén Liberada de Tasso, se entrelaza con los intensos diálogos entre Alma y Cuerpo. En un chiaroscuro musical, las pasiones y los conflictos, impregnados de duda y deseo, se despliegan en un tapiz sonoro donde lo divino y lo humano se enfrentan y coexisten. Reinaldo, perdido entre amor y deber, encarna el tumulto del Cuerpo, atrapado en un mundo tan contradictorio como deslumbrante.
In Caelo, en contraste, eleva la mirada hacia la luz eterna. Los versos del Cantar de los Cantares y los Salmos del Rey David resuenan en armonías que resplandecen como estrellas en la penumbra, evocando la plenitud del amor divino. Allá, la voz humana es como un rayo de luz en búsqueda de lo sublime, invitando al Alma a trascender lo mundano y a reposar en la armonía celestial.
Y así, Entre la Tierra y el Cielo nos invita a escuchar la lucha interna entre el susurro del Alma y el desgarrador grito del Cuerpo, y nos enfrenta, así, al misterio esencial de nuestra propia existencia. Después de todo ¿es posible concebir la luz sin la sombra?
Dirección, David Esteban Escobar
Jarabí; memorias de África en el barroco ibérico
Este es un recorrido escénico y musical por la Península Ibérica de los siglos XVI y XVII, que revela un diálogo profundo —y durante mucho tiempo silenciado— entre las culturas ibéricas y africanas. A través de repertorios vocales e instrumentales, el programa pone en evidencia cómo prácticas rítmicas, textuales y corporales de raíz africana atravesaron la música del barroco ibérico, especialmente en contextos festivos, teatrales y populares.
El núcleo del programa está constituido por villancicos conocidos como negros, negrillas o guineos, formas musicales que recurrieron a representaciones estereotipadas de la figura del “negro” en la cultura del Siglo de Oro. Interpretadas hoy desde una lectura crítica, estas obras permiten observar simultáneamente los mecanismos de caricaturización y la profunda impronta africana en la musica ibérica.
Jarabí incluye, además, danzas y bailes instrumentales con raíces africanas o afro‑ibéricas de géneros que circularon intensamente entre Europa, África y América, y que se convirtieron en auténticos vehículos de mestizaje cultural.
El término Jarabí, que puede traducirse como “amada”, remite además a una célebre canción de África Occidental difundida desde la década de 1960 por intérpretes de kora en países como Mali, Gambia y Guinea. Esta resonancia simbólica permite tender un puente entre pasado y presente, iluminando la memoria de sujetos anónimos e históricamente invisibilizados cuyas huellas siguen siendo fundamentales en la música ibérica y latinoamericana.
Dirección, Jorge Molina